Un Ratico De... Magazine

Nuestro corresponsal al otro lado del charco, Goddie, nos ha hecho un estudio sobre la saga completa de Jason Bourne, así como un repaso a la BSO de la última entrega, firmada por John Powell.

Yo no me lo perdería.

Hacía mucho tiempo que una película no me hacía pensar, pero pensar de verdad, sobre el sentido de la vida, de nuestros actos, de nuestra propia existencia, y CAOTICA ANA lo ha conseguido.
El film es del todo desconcertante, te encuentras sumido sin preaviso en un universo aparentemente superficial, muy "de hoy", pero conforme se desarrolla la historia te das cuenta que hay profundidad, compleja, oscura y caótica que lleva a un orden vital que solo se desvela al final del film. La historia está contada linealmente, enumerando 10 momentos (a modo de cuenta atrás) clave en la vida de Ana que la hacen avanzar, crecer, comprenderse y descubrirse interiormente, la protagonista va engarzando cosas al mismo tiempo que el espectador, con cada puerta que se abre para responder una interrogante aparece otra, algunas dan miedo, otras son alegres, muchas inquietantes, todas únicas.
Ana está dotada de fuerzas tan contrapuestas que la hacen una mujer extrema y compleja, con una diferencia muy marcada entre la apariencia y el fondo, entre lo visible y lo invisible. Esa es la fuerza del personaje, ese es el hilo de la historia.

PIXAR lo ha vuelto a hacer.

Cuando vi CARS pensé "Bueno, a estos de PIXAR parece que se les comienza a desinflar un poco el globo" pues me pareció más flojita que todo lo anteriormente visto, y al ver el teaser de Ratatouille pensé "Bueno, a ver por dónde salen estos", pero la verdad, es que tras salir del cine, con una sonrisa en los labios, he de decir que no, que a PIXAR no se le acabó el gas creativo ni mucho menos. Y aún nos queda otro film más de las ideas que salieron en una comida mágica, tal y como comenta el propio John Lasseter a modo de "promo" de su próximo estreno. Estaban acabando Toy Story y se reunió con varios creativos y salieron varias ideas que dieron origen a películas como BICHOS, TOY STORY 2, MONSTRUOS SA, LOS INCREIBLES, BUSCANDO A NEMO, RATATOILLE y WALLY.B que se estrenará en el 2008 (y cuyas primeras imágenes dejan literalmente sin aliente por la calidad de la renderización ¿donde tienen el techo los chicos de Lasseter?)

Como viene siendo habitual, antes del film tenemos el esperado corto de animación, un clásico que cobra la misma importancia que el propio film. En esta ocasión tenemos ABDUCIDOS, una divertidísima parodia de un examen de conducir alienígena, más concretamente de una abducción humana. Es realmente delirante e ingeniosa, pero no llega a la calidad de FOR THE BIRDS o ONE MAN BAND, mis favoritos.

Y la chicha del asunto, el largometraje (110 minutos nada menos) de este año, una auténtica delicia en muchos aspectos.

Tengo que decir que no soy un gran fan de los 4F, y no he leído la Saga de Galactus donde aparece Silver Surfer, que se enfrenta, como en la película, a los 4F en su misión de preparar el planeta para que el Devorador de Mundos se nutra de la Tierra, y es por esto que no puedo opinar sobre si es una buena adaptación de la historia, o del cómic, sino solamente sobre el film y sobre el espíritu general que los 4F representaron en los escasos números que leí de niño.

Nos encontramos en esta ocasión unos años después de la finalización de la primera parte, los 4F consolidados como superhéroes en NYC, integrados de lleno (a su pesar) en la vida social de la ciudad, e intentando como todo hijo de vecino, evolucionar pagando las facturas. La relación entre Red Richars y Susan Storm va a dar un paso decisivo, van a casarse para formar una familia, y todo parece estar en su contra. Si había ya complicaciones de por sí, aparece una nueva amenaza en forma de extraños sucesos metereológicos provocados por un extraño personaje, un hombre plateado sobre una tabla de surf, que emana una gran energía y que se dedica a hacer cráteres por todo el planeta sin un objetivo conocido.
Los 4F son llamados a luchar contra este Silver Surfer, junto a su archienemigo, al que creían desaparecido, Víctor von Doom (El Doctor Muerte). Pero las apariencias engañan, y lo que se cree una amenaza no es más que los preparativos del verdadero mal, el final del planeta Tierra.

Bueno, pues al fin he podido concluir mi crítica sobre la última entrega cinematográfica del mago más famoso del celuloide…. De este siglo claro.

En esta ocasión se ha echado mano de David Yates como director y de Michael Goldenberg, bajo la estrecha supervisión del guión de la autora, para intentar arreglar el desaguisado creado por el anterior equipo técnico en la “mejor para olvidar” Harry Potter y el Cáliz de Fuego.
En esta ocasión se ha recuperado el espíritu de la notable tercera parte, El Prisionero de Azkaban, en un film oscuro, tenso, dramático por todo lo que está pasando en la dimensión mágica, el mundo esta cambiando demasiado rápido para asimilarlo, algunos intentan reforzarse para lo que se avecina, otros intentan ignorarlo, pero todo cambia… como entonces cambió.

Hace muchos siglos que dos razas de alienígenas robóticos, los Autobots y los Decepticons, empezaron una guerra por el destino del universo. Cuando la batalla llega a la Tierra, lo único que separa a los malvados Decepticons del poder absoluto es el joven Sam Witwicky (Shia LaBeouf). Pero Sam no es más que un adolescente como tantos otros, que se interesa por el instituto, los amigos, los coches y las chicas. Sin saber que representa la última oportunidad para la supervivencia de los seres humanos, Sam y su amiga Mikaela (Megan Fox) se ven envueltos en la guerra entre los Autobots y los Decepticons. El mundo depende de Sam, que por fin entiende el sentido del lema de la familia Witwicky: “No hay victoria sin sacrificio”.

Bueno, pues al fin llegó a nuestras pantallas el cierre a la trilogía PIRATAS DEL CARIBE.
Os queremos dar desde UNRATICODE.COM nuestra visión, en breves palabras, de esta tercera parte, no de la trilogía entera.
Una recomendación, no os perdais las demás entradas en este blog relacionadas, porque le sacareis todo el jugo a la película en todas sus dimensiones.

Muchas han sido las críticas buenas, pero también se alzan las malas críticas a la película de Zack Snyder, y desde UNRATICODE.COM queremos hacernos eco de todas.

Nuestro crítico Mikel Zorrilla nos envía desde Bilbao su visión del film:

Hace mucho, mucho tiempo en unas tierras muy, muy lejanas (bueno, vale, tampoco tanto) los guerreros espartanos eran el arquetipo del soldado perfecto: Fuertes, ágiles, orgullosos, letales y casi invencibles. Tal era el punto de su prestigio y osadía que eran capaces de socorrer a sus aliados en tiempos de guerra enviando un único combatiente para decantar la balanza a su favor. El problema es que llegó un momento en el que el imperio persa quiso una prueba de la sumisión espartana a su voluntad, a lo que Leónidas, rey espartano, respondió de forma negativa (por no decir que se cepilló, al menos en la película, a los enviados persas). Ante tal disyuntiva la guerra parecía la única solución viable, pero la suerte de Leónidas padece su primer contratiempo cuando el oráculo (y los monstruosos seres que lo controlan) se declara en contra de hacer frente a los persas.

No obstante, Leónidas decide frenar a los cientos de miles de persas con un contingente de 300 guerreros espartanos que hace pasar por su guardia personal (juas) para evitar ser detenido por vulnerar la ley espartana. De esta forma, pretende defender las Termópilas, único emplazamiento cuya fisonomía inutiliza la indiscutible superioridad persa en el número de integrantes de su ejército. Leónidas y sus hombres van frenando una y otra vez los numerosos intentos de los hombres de Jerjes de superar sus defensas. Paralelamente, el Consejo espartano debe decidir si apoyar la ofensiva personal de su rey para evitar la toma de Esparta o someterse a las leyes ancestrales que lo impidió en un principio. A partir de aquí, ambas historias avanzan hasta llegar a convertirse en la leyenda (que nadie me venga con nada relacionado con lo histórico, porque no cuela) que ha llegado a nuestros días

Este pasado viernes 23 de marzo, por fin, en España, pudimos disfrutar de ‘300’, la adaptación cinematográfica que Zack Snyder ha realizado del cómic homónimo de Frank Miller. Con decir que a los pocos minutos me encontré petrificado por las maravillosas imágenes que se abrían ante mis atónitos ojos, creo que os podéis hacer una buena idea de lo que un servidor opina de este film; un espectáculo inigualable, una extraordinaria salvajada en todos los sentidos, que se va a ganar un puesto de honor de aquí en adelante en lo que al séptimo arte se refiere. Es puro circo cinematográfico, del que impresiona de verdad, del que te hace exclamar todo tipo de cosas mientras lo ves (y oyes, pues la ecléctica banda sonora de Tyler Bates es fundamental). Pero no os equivoquéis, la película de Snyder es algo aparte de lo que solemos llamar cine de palomitas, es también y, quizá sobre todo, una obra de una belleza increíble. Sí, hay sangre, mucha sangre; pero también talento, muchísimo talento.

‘300’ narra la antigua Batalla de Termópilas, en la que el rey Leónidas, junto con 300 espartanos, luchó a muerte contra el Emperador Jerjes y su gran ejército persa. Haciendo frente a insuperables adversidades, el valor y sacrificio de estos hombres inspiró a toda Grecia para unirse contra el enemigo persa, y así decir basta a esa situación en favor de la democracia.

La semana pasada os dejamos uno de los especiales más aplaudidos de nuestra corta historia (para verlo haz click aqui), este fin de semana he podido disfrutar de esta magnífica película que hace justicia y honor a esta saga.

Las historias de superacin personal son algo muy del gusto del mainstream hollywoodiense, en especial si su origen radica en la realidad. Hemos visto miles de pelculas centradas en desastrosos equipos deportivos que besan la gloria gracias a la llegada de un nuevo entrenador, a multitud de personas superar sus problemas con el alcoholismo o las drogas, a infinidad de madres luchando por la custodia legal de sus hijos con padres de dudosa moralidad o a multitud de hijos luchando contra los prejuicios de sus padres respecto a lo que ellos realmente desean hacer. Por todo ello, siempre que llega un nuevo largometraje basado en la realidad de una persona que tuvo que pasar un calvario de aupa para solventar su problemtica situacin se me erizan los pelos ante la idea de volver a ver algo que ya la primera vez estuvo lejos de entusiasmarme.

No quiero desmerecer para nada la magnífica fotografía de El Laberinto del Fauno cuyo galardón en los Oscars veo muy acertado siempre y cuando no hubiera existido Hijos de los Hombres.
En mi opinión este premio fué uno de los grandes errores de la noche.
Su fotografía es excepcional, muy cuidada y también bastante innovadora. No me quiero poner técnico con el tema de los colores y la famosa "etalonación", creo que es bastante evidente el estilo de los años de la guerra civil que han conseguido recoger a lo largo del film. Marcados contrastes en las escenas de ensueño y magia en las que el misterio y lo incognito te llegan a imbuir por completo.
Un Óscar más que merecido sí señor, peeeero... (¿siempre hay un pero no? si no, no nos llamaríamos críticos :-) ) ahí estaba Hijos de los Hombres.

¿Qué decir? ¿No lo veis? Emmanuel Lubezki, director de fotografía de Hijos de los Hombres a mi parecer y hablando claro, "se ha salido".
Hay mucho de qué hablar sobre la fotografía de esta película que ha sido reconocida incluso hasta por La Sociedad Americana de Cinematógrafos (Directores de fotografía), que ha otorgado su premio a la mejor fotografía de 2006 a Emmanuel Lubezki.
Y es que, no sólo son encuadres perfectos con el movimiento justo para no "pecar" o el manejo de los colores, completamente innovadores; desenfoques justo donde tienen que estar y una profundidad de campo que muchos dirían poco cinematográfica pero a la par lo consigue con creces.
Lo mejor de su fotografía y si eres aficionado a la fotografía del cine lo comprenderás, es la complejidad de las tomas. He visto decenas de películas con tomas muy largas con una fotografía fenómena como la última de Natalie Portman, Zona Libre, donde puedes encontrar cámaras de más de 10 minutos en los que no te cansas de observar y recrearte en lo que te está entrando por los ojos. Sin embargo, en Hijos de los Hombres pasa algo parecido, cámaras continuadas pero con un enfoque nunca visto. No es que puedas recrearte en lo que estas viendo sino que cómo apartes la mirada te perderás algo. Dinamismo, fluidez, complejidad y muy buen gusto es la mezcla explosiva que Emmanuel ha conseguido mezclar en esta impresionante película digna, al menos, del Oscar a la mejor fotografía. ¿Qué opinais vosotros? Yo le doy un rotundo 10.

Bueno, la noticia del día es sin duda alguna la confirmación de la adaptación de Ronin de Frank Miller a la gran pantalla.

Tras el éxito de Sin City, y su próxima secuela, y con 300 a punto de aterrizar en cines, Warner Bros. ha comprado y recuperado los derechos la novela grafica de DC Comics después de que le expirase el plazo de cinco años a la productora New Line Cinema para crear una película con Darren Aronofsky como director.

Revelar cualquier mínimo detalle sobre esta historia de rivalidad entre dos magos, protagonizada por Christian Bale y Hugh Jackman sería realmente una pena.

Ganas de contar y comentar no me faltan, y es que si algo propicia The Prestige (me niego a seguir utilizando el otro ridículo título) es a la charla posterior, y a la búsqueda de detalles, intenciones y conclusiones varias.

En sí, en la sala de cine se nos mostro un ir y venir de ideas preconcebidas que se van disolviendo a lo largo del metraje. No hay un momento claro en el que puedas decir: ¡ahora sé quién es el bueno y quién es el malo! Aunque para mi, la última media hora, fue un poco previsible a falta de algunos detalles que se desvelan majestuosamente al final. Un final demasiado repentino, de los que a mi me gustan, un desenlace cuidado en el que las palabras del guión están escritas en mayúscula.

Las chicas Rebecca Hall, Piper Perabo (El bar coyote) y una espléndida Scarlett Johansson aportan sutilmente su belleza, dulzura y misterio con interpretaciones dignas de alabar.

La fotografía de Wally Pfister deja entrever un cine tal y como él lo vé. Memento o Italian Job es su última innovación. Una etalonación clásica con recursos modernos, los ligeros sepias y la profundidad de campo hablan por sí mismos. Vamos, que no es un fotógrafo muy... de cámara en mano.

La banda sonora, al menos para mi, no es de las que harán historia pero al menos se deja escuchar.

Una buena película, no la confundáis con el mágico parecido de El Ilusionista, guiones muy distintos y tramas diferentes. Edward Norton la hace subir como la espuma si tuviera que elegir alguna, pero no dejéis de ver El Prestigio, porque como todo buen truco se compone de tres partes, en el cual, el final es su mejor revés.

Iñárritu se va acercando a ser cada vez más perfecto, poco a poco y rápido, me convence cinematográficamente, y con ese estilo que ha aprendido a captar la atención entre fuerte y nebuloso, véanse los ejemplos de "Amores perros" o la grande "21 gramos".

González Iñárritu vuelve a enlazar tres historias que se desencadenan tras un disparo accidental en el sur de Marruecos y que ocurren simultáneamente en la frontera entre EEUU y México y en Japón.

Con la ayuda de actores de renombre como Cate Blanchett, Brad Pitt, Gael García Bernal y Adriana Barraza, y no profesionales como los dos niños marroquíes Boubker Ait el Caid y Said Tarchani, Iñárritu compone una emocionante sinfonía sobre la incomunicación y el dolor con la que además consigue exponer problemas globales como el de la inmigración.

El cineasta explicó que entre los seres humanos el concepto de la felicidad es distinto. Lo que puede hacer feliz a un marroquí o a un japonés es diferente. "Pero lo que nos entristece, lo que nos hace sentir mal es lo mismo para todos. Es lo que se podría resumir como la imposibilidad de amar, de sentir o expresar amor. Ésa es una de las cosas más dolorosas que puede vivir cualquier ser humano".

'Babel', que cuenta con un guión de Guillermo Arriaga (ganador el año pasado por su historia de 'Los tres entierros de Melquiades Estrada'), es la segunda de las cinco películas iberoamericanas que excepcionalmente han entrado en la categoría reina del Festival de Cannes, un certamen que hasta ahora se había fijado poco en el cine hecho en español.

En cuanto a mi opinión personal he de decir que me pareció un film profundo, con una estética que acompaña al sentiminiento de cada escena. La diferencia cultural entre los tres lugares donde discurre la trama se hace evidente tanto visual como sonoramente de una manera magestuosa. Hay ciertas escenas que dan prueba de ello como las fiestas en las que se Iñárritu se recrea siendo fiel a la cultura. Tomas largas y distendidas con cámaras sutiles y movimientos ágiles acompañadas de una mezcla sonora excepcional, merece la pena verla en un buen cine o con un buen Home Cinema.

En España se tiende a traducir todo y aunque creo que no es mala idea pero le quitó un poco de sentido al script. Ese sería quizás mi único apunte negativo, por lo demás, una gran trama, bien contada, un poco previsible pero agradable al paladar.

Sitio Oficial | Paramount - Babel

En su segunda película como director, Antonio Banderas adapta una novela de Antonio Soler sobre el verano decisivo que pasan juntos un grupo de jóvenes en los años 70 en Málaga.

"Esta película no es sólo mi segunda película, es volver a Málaga, volver a los 70 y al estado en el que me encontraba entonces". Son palabras de Antonio Banderas, que se enfrenta con El Camino de los Ingleses a su segundo trabajo tras la cámara después de debutar en la dirección en 1999 con Locos en Alabama, comedia negra protagonizada por Melanie Griffith. Aunque ambos films comparten elementos, el que nos ocupa es definitivamente mucho más personal. En palabras de Banderas, estamos hablando de "una película protagonizada por chavales, sí, pero una película que reflexiona sobre la muerte de las etapas". Adaptada al cine por el propio autor de la novela en que se basa, El Camino de los Ingleses es, sin embargo, "una especie de prolongación del libro. Trabajamos a partir de algo ya hecho con la intención de crear un animal nuevo. Eso lo ha convertido en un guión original".